Erin Carlisle Norton의 'Walled Reach'. Kathyrn Butler의 사진. 졸업을 앞두고 많은 무용 학생들에게 충격을주는 것 같습니다. '이제 뭐 ?” 전문 댄스에서 지속 가능한 삶을 구축하기 위해 아카데믹 댄스 학위의 도구, 기술 및 네트워크를 어떻게 활용할 수 있습니까? 졸업 전과는 어떻게 다른가요? 아카데믹 댄스 세계가 이러한 변화에 대해 학생들을 더 잘 준비시킬 수 있고 아카데믹 댄스 세계가 “캠퍼스 밖”에서 일어나는 춤 ? 댄스에서 BFA 또는 MFA를 고려할 때 어떤 측면을 고려해야합니까?
이러한 질문과 기타 질문에 대해 더 깊이 탐구하기 위해 Dance Informa는 학업 및 전문 댄스 분야 모두에 대한 귀중한 통찰력을 가진 4 명의 댄스 아티스트와 이야기했습니다. Autumn Eckman, MFA, Hubbard Street Dance Chicago의 댄서, Giordano Dance Chicago Stephen의 예술 감독 겸 상주 안무가 Ursprung, MFA, Dean College의 무용 교수 겸 Reject Dance Theatre (매사추세츠 보스턴) 창립 이사 Ellice Patterson, MS, Abilities Dance Boston 창립 이사, Erin Carlisle Norton, MFA, The Moving Architects 창립 이사 (NJ / NYC) ).
가을 Eckman.
Eckman과 같은 일부 댄스 아티스트는 전문 콘서트 댄스뿐만 아니라 학계에도 계속 참여하고 싶어한다는 것을 알고 있습니다. 그녀는 오하이오 대학에서 무용 MFA를 취득하고 나중에 애리조나 대학에서 교수직을 맡았지만 여전히 작업을하고 공연하면서 그 목표를 달성 할 수 없었습니다 (지속해야 할 목표가 많더라도). 그녀는 댄스 세계의 이러한 부문을 '이질적이지 않은'것으로보고 '그들의 커뮤니티가 너무 얽혀있다'고 덧붙였습니다.
Eckman은 이러한 커뮤니티 (종종 고등 교육에서 형성됨)를 광범위하고 지속적이며 지원적인 것으로보고 있습니다. 무용 대학원은 작문과 행정 기술을 배우고 자신의 작품에 대해 이야기하고 건설적인 방식으로 다른 사람들이 말하는 것을 듣는 능력을 배웠습니다. Higher ed는“예술가로서 자신이 진정 누구인지 배우는 여정”에서 댄서를 시작할 수 있다고 그녀는 믿습니다.
Ursprung은 아카데믹 댄스에서 상업 댄스 또는 대규모 콘서트 댄스 회사를 대체하는 길을 찾았습니다. 어렸을 때 그는 전문적으로 춤을 추는 방법으로 생각했습니다. 그는 Reject Dance Theatre를 운영하고 REP (Repertory Etudes Project)에서 춤을 추는 동안 작곡 커리큘럼의 교수 겸 감독으로 재직 할 수있었습니다.
아이패드 미디어
스티븐 오리진.
그는“대학원에서 연구를 잘 할 수 있도록 준비했습니다.”라고 말합니다. “안무 프로젝트는 연구 프로젝트입니다. 정보를 소싱하고, 찾은 내용에 대해 비판적으로 생각하고, 초안을 작성하고, 편집하고, 피드백을 받고, 수정하고, 편집을 복사해야합니다. ' 대학원이 그에게 쌓아온 이러한 엄격한 기술의 일부는 다음과 같습니다. 피드백 프로세스 (주고받는) 그리고 궁극적으로 작업을 무대로 가져 오는 것과 관련된 다양한 측면. 그는 고등 교육이 이러한 기술을 습득 할 수있는 유일한 곳이라고 생각하지 않지만, 그것이 핵심입니다.
Carlisle Norton에게 그녀의 학위는 학습에 대한 굶주림과 자연스러운 호기심을 충족시킬 수있는 귀중한 도구와 관점을 제공하고 오늘날까지도 여전히 친구이자 동료 창작 자라고 부르는 예술가 커뮤니티를 구축했습니다. 오하이오 주립 대학의 댄스 대학원생으로서 그녀는 예술 관리, 비디오 편집 및 Photoshop과 같은 분야에서 교육을 받았습니다.이 분야에서 The Moving Architects의 지시를 받았습니다.
대학원 1 년 동안 그녀는 필라테스 강사로 훈련하고 일했으며, 오후에는 수업에 들어가기 전에 아침에 가르 칠 수있었습니다. 그녀는 댄스를 공부하거나 댄스 아티스트로서 재정적으로 더 지속 가능한 곳을 위해 일하면서 그런 작품을 찾는 것을 옹호합니다.“몸을 기반으로하고 당신의 예술 형식을 공급하는 것”. 나머지 2 년 동안 그녀는 대학원 조교로 일하면서 수업료와 지불금을 제공했습니다.
리허설에서 움직이는 건축가. Gwen Charles의 사진.
Patterson은 학부에서 생물학을 공부 한 후 석사 자격증 프로그램을 통해 비즈니스를 공부했습니다. Carlisle Norton과 마찬가지로 그녀는 회사의 예술 및 리더십 작업에서이 학문적 경험을 통해 개념, 관점 및 특정 기술을 요구할 수 있음을 증명합니다. 예를 들어, 생물학을 공부하면서 그녀는 해부학, 운동 과학 및 자연계에서 사물이 작동하는 방식에 대한 지식을 얻었습니다. 이러한 고등 교육 경험에서 창의적인 영감을 얻었습니다. 예를 들어, 그녀의 생물학 연구를 통해 대서양을 항해하는 것과 연결된 범선 그림에서 작품을 만드는 것과 같은 것입니다.
Business는 그녀에게 회사의 재정 건전성과 지속 가능성을 구축하기위한 지식과 도구는 물론 '신속한 의사 결정권자, 사실을 파악하고 가능한 가장 효과적인 방법으로 신속하게 대응'할 수있는 능력을 제공했습니다. 그녀는 댄스에 대한 고등 교육 학위를 갖고 있지는 않지만 Bates Dance Festival 및 Urbanity Dance Summer Intensive (매사추세츠 주 보스턴)와 같은 딥 러닝 경험은 그녀에게 일종의 고등 교육이라고 믿습니다.
특히 Eckman과 Ursprung의 경험은 학문 및 전문 댄스 분야의 상호 연결성을 증명합니다. 반면에 Ursprung과 Carlisle Norton은 이러한 부문 간의 몇 가지 주요 차이점을 지적합니다. 하나로서, 리허설 공간은 아카데믹 댄스 환경에서 무료이며 종종 작품 제작을위한 더 긴 타임 라인이 있습니다. 대부분의 경우 작업을 만드는 동안 실제로 작업에 뛰어 들고 살아야하는 시간이 훨씬 적고 시간이 더 많이 걸립니다. 두 예술가는 이것을 고등 교육 예술가에게 발생하는 창조적 진화의 핵심 요소로 인식하면서도 학생들이 졸업 후 손끝에서 갖지 말아야 할 것이기도합니다.
Ursprung은“학계에서 많은 댄스가 너무 난해 해져 청중의 호소력을 잃고 접근성이 지적주의에 찬성하는 경향이 있습니다. “전문 콘서트 세계에서 청중이 작업을 즐기지 않으면 티켓 판매 또는 더 중요한 기부자 확보에 성공하지 못할 것입니다. 아카데미 밖의 삶을 반영하는 작품을 만들어야합니다.”
Carlisle Norton은 한편으로는 대학원 경험을 통해“청중을 돌보는”방법을 배우고 다른 한편으로는 청중 경험을 무시하는 태도에 직면하여 좌절감을 느꼈다고 설명합니다.
발레리 c. 로빈슨
엘리스 패터슨.
전체적으로 Carlisle Norton은 작업, 회사 및 콘서트 댄스 분야의 성공에서 청중 경험의 중요성을 제거했습니다. Urspring은 고등 교육에서 댄스가 댄스 학생들에게 이러한 종류의 실질적인 고려 사항을 심어주는 방향으로 고맙게도 움직이고 있다고 믿습니다. '개인 재정에 대한 지식, 일상 업무에 내장 된 기술 활용, 성공을위한 준비 방법 찾기'. 그는“아카데믹 댄스 프로그램은 이미 더 실용적인 생존 기술을 가르치라는 압력을 받고 있습니다. 순전히 창의적인 과정과 기술을 가르치는 프로그램을 찾기는 드뭅니다.”
패터슨의 길 그러한 실용적인 도구와 기술의 중요성을 보여줍니다. 뿐만 아니라 전문적인 콘서트 댄스에 가져올 수있는 공식화 된 학문 연구의 대체 경로를 찾는 타당성 및 심지어 이점도 있습니다. “계속 춤을 추고 다른 것을 공부하는 방법이 있으며 다른 분야에서 다른 관점을 가져 오는 이점이 있습니다.”라고 그녀는 단언합니다. 고전 발레리나로 고등 교육에서 춤을 추기 위해 온 Eckman은이 모든 것을 각 아티스트에게 고유 한 여정, 즉 주어진 시간에 한 개인의 장소에 대한 인내가 필요한 여정이라고 생각합니다. “서두를 수 없습니다.”라고 그녀는 믿습니다. '상황은 제때에 올 것입니다.'
이 모든 것을 고려하여 아티스트에게 중요한 고려 사항은 무엇입니까? BFA 또는 MFA 고려 — 아마도 그 중에서 선택하고 모든 것을 전문 콘서트 댄스 경력에 직접 넣을 수 있습니까? Ursprung은 항상 젊은 댄서들을 BFA로 안내 할 것이라고 말합니다. '18 세 때 댄스 분야에 대한 당신의 세계관과 이해는 매우 제한적입니다.'라고 그는 강조합니다. 그러나 그는 BFA와 MFA 사이에 시간을내어“작업을 연습하고 현장에 몰입 할 수 있도록 장려합니다. 기술을 연마하고 개선하는 데 필요한 사항의 목록을 작성하고 여정을 가장 잘 지원할 수있는 올바른 기회를 제공 할 프로그램을 찾아보세요. '
Melissa Blackall Photography의 사진.
Patterson은 교수로 가르치거나 고등 교육 댄스 공간의 리더가 되려면 고등 교육 학위가 필요하다고 강조합니다. 전반적으로 Eckman은 고등 교육 댄스에 대한 강력한 옹호자 인 것 같습니다. 그녀는 고등 교육이 제공 할 수있는 광범위한 동료 예술가 네트워크의 이점에 주목합니다. 그녀는 또한 높은 수준의 전문성 (예의, 신속성, 적응성, 강한 직업 윤리 포함)과 신체적 악기 관리 등 콘서트 댄스 경험이 댄스 학업에 어떤 영향을 미칠 수 있는지 알고 있습니다. 고등 교육을 받기로 결정하면 Eckhart는 눈을 뜨고 교수와의 관계를 발전시키는 것을 두려워하지 말라고 조언합니다. '당신은 당신과 공감하는 것에 끌리게 될 것이며 궁극적으로 당신의 부족이 될 것'이라고 그녀는 생각합니다.
Ursprung은 고등 교육 댄스 프로그램이 현재 전문 댄스 세계의 현실에 어떻게 적응하고 있는지 강조합니다. 그리고 Eckman은“댄스 회사는 20 년 전의 모습이별로 다르고 고등 교육 댄스도 이에 따라 조정되고 있습니다.”라고 말했습니다. 그러나 고등 교육이 전문 콘서트 댄스의 '실제 세계'의 현실과 제공을 인정할 수있는 다른 방법이 있습니까 (더 나은 용어가 부족한 경우)?
로레인 헤어스프레이
가을 Eckman.
Ursprung은 고등 교육 무용 부서가 신흥 및 중급 아티스트에게 '자원을 개방'하는 것을 더 자주 보게 될 것입니다. '종종 이러한 리소스는 대기업을 위해 예약되어 있지만 대학 환경에서 신규 및 기존 작품을 만들고 워크샵을 진행할 수있는 기회는 아티스트에게 자신의 작품을 더 깊이 파고들 수있는 기회를 제공 할 것입니다.'라고 그는 말합니다.
그는 Dean College의 최근 재구성 된 커리큘럼과 같은 모델을 홍보하여 학생들에게 인턴십 경험을 제공합니다. 전문 댄스 세계의 다양한 커뮤니티와 부문 . 그는 이러한 접근 방식을 통해 '학생들이 자신의 선택 사항이 무엇인지 알고 있고 그것이 실제로 원하는 것인지 확인하기 위해 댄스 생활을 시험해 볼 수 있습니다'라고 믿습니다.
이 모델과 이러한 모든 아티스트의 경험에서 댄스 생활에는 비 학문 전문 콘서트 댄스, 아카데믹 댄스 또는이 둘의 혼합 등 다양한 경로가 있음이 분명합니다. Eckman이 말했듯이 중요한 것은 각 아티스트가 고유 한 개인으로서 자신과 가장 잘 일치하고 지원하는 경로를 찾고 그 과정에서 찾은 경험, 도구 및 우정을 최대한 활용하는 것입니다.
Kathryn Boland의 댄스 정보.
