Pina Bausch의 'Vollmand'. Julieta Cervantes의 사진. 작년에 저는 뉴욕의 다운타운 스튜디오에서 공연 – 테네시 윌리엄스 연극의 댄스 극장 개작 – 리허설을했습니다. 그날 늦게 저는 댄스 스튜디오에서 연극을 연습 할 수 없다는 이메일을 받았습니다. 나는 즉시 무용극의 성격을 설명하는 열정적 인 답변을 썼다. 나는 무엇보다도 댄스 아티스트이고 내가하는 일은 댄스에 의존한다. 또한 극장 스튜디오는 종종 콘크리트 바닥과 작은 공간을 가지고 있으며 의자와 소품으로 어수선 해져 댄서에게 안전하지 않습니다. 나는 분노, 두려움, 혼란, 좌절 등 무수히 많은 반응을 보였습니다. 이 스튜디오는 다양한 공연 스타일을 옹호합니다. 내가 작업하는 예술 형식이 질문을받는 이유는 무엇입니까? 쉽사리 풀 렸는데 무용극이 왜 그렇게 오해를받는 걸까?
댄스 시어터 란?
Nicole Colbert Dance / Theatre의 '연인과 낯선 사람'. Per Morten Abrahamsen의 사진.
무용극은 무대에서 신체적, 심리적 상호 작용을 통해 세상이 만들어지는 무용 기반의 예술 형식이다. Roland Langer (1984)는“춤, 말하기, 노래, 관습적인 연극, 그리고 하나의 아말감에서 소품, 세트 및 의상 사용에 대한 그림으로 요소를 예시합니다. 일반적으로 줄거리가 없으며 특정 상황, 두려움 및 인간 갈등이 제시됩니다.” 그 결과 극적이고 물리적 인 것만큼이나 개념적이기도합니다.
역사
댄스 극장의 기원은 독일어로 Ausdruckstanz라고하는 표현 주의적 형태의 춤을 개발 한 Rudolph Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) 및 Mary Wigman (1886-1973)에 기인합니다. 그들은 20 대 초반에서 영감을 얻었습니다.일현실의 복제에 대한 내면의 감정과 아이디어를 강조하려는 그림에서의 세기 독일 표현주의 운동. 1 차 세계 대전 이후 예술가들은 일을하는 낡은 방식을 정체 된 것으로 보았다. 춤에서 발레는 전쟁의 사건과 그 여파에 대한 두려움과 갈망과 같은 개인과 그들의 상황 적 반응을 표현하지 않는 구 가르드의 장르로 간주되었습니다.
Pina Bausch의 'Nefés'. Stephanie Berger의 사진.
로라 산 자코모 브라 사이즈
Jooss의 제자 인 Pina Bausch (1940-2009)는 무용 극장의 도이 엔으로 간주됩니다. Royd Climenhaga (2018)는 1960 년대 젊은 안무가였던 Bausch가 Jooss와 German Expressionism과의 작업뿐만 아니라“무대 세계를 창조하려는 연극 예술가들의 실험에도 영향을 받았다. 무대 위의 세계보다는”
Bausch의 작품에는 전통적인 연극이 없습니다. 대신 일련의 비 네트로 구성되며 주제 나 장소에서 영감을 얻습니다. 무대에서는 물, 꽃, 흙, 잔해와 같은 상징적 기표를 통해 물리적 세계가 만들어집니다. 이 세상에서 공연자들은 말하고, 달리고, 춤추고, 땀을 흘리고, 서로를 때리고 기절합니다. 인간의 경험에 대한 개별적인 반응은 강렬하게 표현되며 동작 어휘는 독특하고 표현력이 뛰어납니다. 그녀의 작업은 유럽 장르에 대한 심미적 고려를 이끌어내는 데 도움이되었습니다.
미국 땅의 댄스 극장
Bill T. Jones / Arnie Zane Company의 'Still / Here'. 사진 : Dan Rest, BAM Hamm Archives 제공.
현기증 댄스
무용극은 미국에서 역사적인 전통이 없기 때문에 그다지 인기가 없었습니다. Martha Graham, Sophie Maslow 및 Anna Sokolow와 같은 현대 무용의 초기 선구자들은 사회적으로 인식되는 주제로 춤을 만들고 표현적인 춤 어휘를 발전 시켰지만 1940 년대에는 표현주의에서 작품으로 대표되는 추상적 인 춤 만들기로 이동했습니다. 머세 커닝햄.
그러나 1980 년대 중반부터 1990 년대까지 짧은 기간 동안 무용극 예술가로 간주 될 수있는 안무가 세대가 등장했습니다. 안무가 인 Bill T. Jones / Arnie Zane, Doug Varone, Bebe Miller, Ralph Lemon, Sara Pearson, Patrik Widrig, 그리고 오늘날에도 여전히 작품을 만들고있는 Tere O'Connor는 정치 및 사회를 탐구하는 뉴욕의 다운타운 댄서였습니다. 춤과 연극, 구어, 연극 비 네트, 신체를 표현의 중심으로 사용하는 유럽 무용 극장과 유사한 주제와 창작 작품. 그들은 초기 현대 무용 개척자들의 작품을 알고 있었을뿐만 아니라 1960 년대에 Judson Theatre에서 예술가들이 장르를 융합하고 미적 성능 규범에 도전 한 실험적 작품을 보거나 알고 있었을 것입니다. .
Anna Sokolow의 '침묵의 단계'. Steven Pisano의 사진.
1980 년대는 1960 년대와 마찬가지로 사회적, 정치적으로 큰 변화의시기였으며 개인 예술가들은 레이건 시대의 경기 침체, 에이즈 전염병, 신 보수주의의 부상, 계속되는 인종 차별주의의 교활함으로 인해 큰 영향을 받았습니다. 일상 사회에서 표현되는 여성 혐오. Miller는 자신의 작업이 '인간의 조건에 뿌리를두고있다'고 말합니다. 이 예술적 탐구 라인은이 세대의 안무가들의 관심사를 포착하고 초기 독일 및 기타 유럽 무용 극장 제작자의 충동을 연상시킵니다.
1990 년대 말 무용은 다시 트랙을 바꾸었고 추상 및 동작 기반 안무에 중점을 두었습니다. 무용극은 이상 치가되었습니다.
그리고 지금?
미국에서는 댄스 극장에 대한 관심이 떠오르고 있습니다. 무용 평론가 Siobhan Burke (2017)는 Annie B. Parson, Okwui Okpokwasili, Faye Driscoll을 현재 무용 극장 아티스트로 꼽았습니다. David Neumann과 Raja Feather Kelly가이 목록에 추가되어야합니다. 점점 더 많은 무용가들이 무용극에 관심을 가지면서 그 정체성 측면에서 여전히 어려움이 있습니다. 영어에는 통일 된 철자가 없습니다. 의회 도서관 인용 댄스 극장 (독일어) 유럽 무용극의 이름이지만 영어로는 댄스 / 연극 , 댄스 극장 과 무용 극장 . 의미론을 제쳐두고, 미국 땅에서 형식이 직면하는 진짜 도전은 훈련과 성과 기회의 영역에 있습니다.
피나 바우쉬의‘돌 위의 이끼처럼, 오 예, 예, 예…’. Stephanie Berger의 사진.
브레이킹 그라운드 댄스 센터
무용극 작품에서 공연을 원하는 무용수를위한 훈련은 매우 중요합니다. 다가오는 안무가 (무용 극장으로 부름)가 본 콘서트에서 작품은 내러티브에 크게 의존했지만 무용수들은 무대에서들을 수있는 능력이 없었습니다. 헤드폰 하나로 음악을 들었다가 끄는 것과 같은 경험은 매우 실망 스러웠습니다.
또한 무용을 상영하는 소극장 큐레이터는 프로그램시 무용 극장을위한 의도적 인 공간을 만들 수있다. 그렇게함으로써 아티스트들에게 아이디어를 개발하고 창의적인 문제 (무대에서 말하기 등)를 해결할 수있는 더 많은 기회를 제공 할 것입니다. 큐레이터는 장르를 정의하기 어렵 기 때문에 댄스 극장 발표를 주저 할 수 있습니다. 게다가 통일 된 철자가 없으면 큐레이터는 어디서부터 시작해야할지조차 모를 수 있습니다. 그 결과 무용극 예술가들에게 중요한 기회가 많이 없어졌습니다.
역사적으로 미국 예술계의 정신은 항상 매우 실험적이었습니다. 동시에 미국 사회는 레이블에 의해 주도됩니다. 이 두 가지 가치는 종종 예술 운동과 형식을 옆으로 밀었습니다. 아마도 레이블을 지정하거나 정의하는 방법에 대한 걱정을 멈출 때입니다. 그것이 무엇인지 보자 : 형태의 융합을 그리는 댄스 기반 예술. 대신, 미국 땅에서 발전하고 성장하여 자신 만의 무언가가 될 수있는 기회를 제공 할 문제를 해결해 봅시다.
니콜 콜버트 댄스 정보.
