댄스 교사 자료

수돗물을 벗고 앉아서이 기사를 쓰면서 나는“내 독자들이이 기사에서 가장 중요한 것은 무엇인가?”라고 생각했습니다. 음, 당연히 여러분 모두 탭댄스에 사랑에 빠지 셨으면합니다. 저도 압니다. 그게 상당히 높은 목표이지만 탭 피스로 기립 박수를받는다면 건전한 존경심으로 탭을 받아 들일 것입니다. 진정한 미국 장르 (현재는 전 세계적으로 춤을 추고 있음)이며 춤을 추는 동안 음악을 만드는 것은 기쁨이자 도전입니다. 오래된 구절을 인용하려면 : '발을 두드리는 것은 치료입니다!' 과거의 수돗물을 재활용하는 것보다 과거의 귀중한 것을 유지하고 효과적이고 활기차고 재미있는 방법으로 앞으로 나아 가기 위해 노력할 수 있기를 바랍니다.

첫 번째 고려 사항 중 하나는 작품이 공연 될 공연의 목적과 인구 통계를 평가하는 것입니다. 콘서트, 리사이틀, 상업 시설 (예 : 쇼룸 또는 테마파크) 또는 경쟁입니까? 60 명, 600 명, 2,000 명 중 어떤 종류의 청중을 가질까요? 그리고 연령 범위는 무엇입니까? 또한 작품이 솔로인가요, 소그룹인가요, 아니면 대규모 제작인가요? 이러한 모든 고려 사항은 가장 중요한 결정 중 하나 인 음악을 선택하는 데 도움이됩니다.

코폴라 리듬 앙상블. 사진 : Sergio Minero.

음악을 선택할 때 청중이 공감할 수 있고 무용수들과 함께 그루브를 즐길 수있는 음악을 선택해야합니다. 그렇다고해서 시각적으로나 청각 적으로 몇 가지 놀라움이나 하이라이트가있는 것이 예측 가능한 것은 아닙니다. 음악을 선택할 때 가장 간단한 고려 사항은 다음과 같습니다. 청중이 탭 소리를들을 수 있습니까? 그리고 그것은 극장 뒤쪽에 있다는 것을 의미합니다. 너무 심하게 편성 된 음악은 탭을 막을 것입니다. 또한 극장의 음향을 확인하십시오. 무용수를 준비 할 때 탭 테크닉의 수준이 안무를 뒷받침하기에 충분하다고 가정하겠습니다. 젊은 무용수는 건강한 기술이 포함 된 수업에 참여해야합니다. 일상적으로 만 작동하는 수업은 댄서들이 댄스에 넣을 물질을 덜 갖게 될 것입니다.

퍼포먼스 믹스 페스티벌

판사로서 나는 종종 모든 소리를 실행하지 않는 여러 댄서가 포함 된 탭 피스를 봅니다. 각 댄서가 혼자서 단계를 수행 할 수 있는지 확인하고 아카펠라 . 그러면 댄스를 재 조립하면 더 강해질 것입니다.

음악을 선택한 후에는 안무를하기 전에 반복해서 들으세요. 신문 8도 안무를하는 것보다 안무에서. 아카펠라 작품을 만드는 경우 시간을 유지하기 위해 댄서를 드릴해야합니다. 일반적으로 서두르는 경향이 있으며 이는 청중에게 매우 불안합니다. 음악성은 안무가와 댄서의 목표입니다. (6/8, 3/4, 5/4, 9/8 등과 같은 다른 미터로 음악에 도전하십시오.)

이제 음악과 결혼 했으므로 반복 될 때 알아볼 수있는 일련의 단계 또는 문구와 같은 주제를 만드는 것이 좋습니다. 작품의 시그니처이며 청중을 시각적으로도 청중을 사로 잡고 작품의 성격을 보여 주어야한다. Tap의 음악성은 전통적인 발굽부터 라틴, 랩, 블루스, 클래식, 록 및 쇼 곡에 이르기까지 다양한 스타일에 적용될 수 있습니다.

폴라 파리스 측정

몇 가지 세부 사항 :

Unison : unison의 가치를 결코 과소 평가하지 마십시오. 완벽한 동기화에 놓인 좋은 발걸음은 사람들에게 매우 만족 스럽습니다. 다양한 리듬을 퍼 뜨리고 다이나믹 한 펀치를 위해 일제히 복귀하는 귀중한 기술입니다. 한마음으로하는 전체 춤은 지루할 수 있습니다.
캐논 : 캐논 또는 라운드에서 리듬을 제시하는 것은 매우 효과적 일 수 있습니다. 듀오, 그룹 및 라인에서 작동합니다. 여러 댄서에게 안무 문구를 시작하게 한 다음 다른 댄서에게 나중에 동일한 문구를 시작하도록합니다. 얼마 후에 요? 8 카운트는 매우 안전하지만 4 카운트는 매우 효과적입니다 (음악이 스트레이트 또는 4/4 시간이라고 가정). 두 카운트로만 분리하면 청중에게 실수처럼 들릴 수 있습니다.
대위법 : 이것은 동시에 들리는 두 리듬을 의미합니다. Canon은 자동으로 대위법을 생성하지만 서로를 보완하는 두 개의 다른 탭 관용구를 만들 수 있습니다. 주의하십시오. 단계가 너무 바쁘면 복잡하게 들릴뿐입니다. 공백을 남겨 두십시오. 단일 소리는 가치가 있습니다.

탭은 대화 형입니다. 구두 언어와 마찬가지로 활용, 원인, 구두점 및 강조가 필요합니다. 연속적인 문장이되지 않도록하십시오.

거래 : 따라서 탭이 대화 형이라면 질의 응답에서와 같이 앞뒤로 나아갈 수 있습니다. 문자적인 거래는 한 무용수 (또는 그룹)가 리듬을 내려 놓고 두 번째 그룹이 리듬을 그대로 반복하는 곳으로 보통 8 카운트 또는 4 카운트를 거래하는 것입니다. 좀 더 대화적인 접근 방식은 두 번째 리듬 (답변)을 변경하는 것입니다. 종종 두 번째 리듬이 첫 번째 리듬을 능가하려고합니다.
추가 사운드 : 박수, 찰칵, 고함, 소품 또는 다른 표면으로 만든 소리와 같은 다른 소리를 던지는 것은 속도를 바꾸는 좋은 방법입니다. (세트 조각과 소품을 효과적으로 사용하면 전체 기사를 채울 수 있습니다.)
역학 : 역학 (볼륨 정도)이 부족하다는 것을 알 수밖에 없습니다. 그것은 단지 '단계를내는 것'이상이 필요합니다. 아카펠라 탭은 매우 부드럽고 조용한 안무를 사용할 수있는 좋은 기회로, 청중이주의 깊게 듣도록 만들 것입니다. 그러면 공격적인 것으로 리바운드 할 수 있습니다. 대조 매우 귀중한 음악성입니다.

코폴라 리듬 앙상블. 사진 : Sergio Minero.

춤의 반영

직접 리듬 (박자)과 실신 (오프 비트)의 차이를 대조하는 것도 효과적입니다. 탭 사운드는 대부분 스타카토이기 때문에 드럼 롤처럼 사용되는 수많은 슬라이드와 신경 탭으로 지속적인 사운드를 얻을 수 있습니다.

시각적 명령 : 타오르는 빠른 발 (발로 바닥에 불을 붙일 수 있음)이 있으면 충분하지 않습니다! 속사 음은 인상적 일 수 있지만, 시각적 인 일이 일어나지 않으면 청중은 조만간 지루해질 것입니다 (청중이 소리의 흐릿함 속에서 새로운 온스를 파악하지 못할 수도 있음은 말할 것도 없습니다). 우리는 기술, 퀵 컷 및 편집, 소셜 미디어로 인해 사람들의 관심 지속 시간과 집중력과 집중이 그 움직임을 따라갈 시대에 살고 있습니다. 그러나 무대에 들어가기 전에 개별 댄서의 시각적 에너지를 살펴 보는 것이 좋습니다. 고 에너지 댄서는“스텝 판매”를 통해 상체 에너지를 얻어야합니다. 팔이 몸에 중점을 두는 경우, 구체적이지 않은 경우 일반적으로 몸통의 토크를 따릅니다. 여기 라스 베이거스의 탭 앙상블에서 프로 댄서들이 에너지가 넘치고 포트 드 브라 (팔 움직임)를 안무 할 필요가 거의 없다는 점에 매우 다행입니다. 이것은 '잼'의 느낌에 도움이됩니다. 댄서가 다른 장르에 정통하고 종종 마차와 포트 드 브라에 반영되는 것이 유리합니다. 머리, 팔, 몸통의 상체 움직임은 음악에서 악센트를 강조하고 강조하는 데 도움이 될 수 있습니다. 또한 레벨 사용은 세트 피스의 레벨만을 의미하는 것은 아닙니다. 개별 댄서는 바닥과 공기를 사용하여 레벨을 만들 수 있습니다.

내가 판단 할 때 정말 나를 움찔하게 만드는 것을 본 것 중 하나는 등 뒤로 손을 대고 두드리는 것입니다. 무용수들이 발에 집중하게하고 균일 성을 부여한다고 생각할 수 있지만 상체의 모든 에너지를 빼고 나쁜 습관이 될 수 있습니다. 포트 드 브라가 필요할 때 그 습관을 깨는 것이 더 어려울 것입니다. 등 뒤에서 손을 잡고있는 것을 보면 무용수들이 탭댄스를하다가 죄수로 잡힌 것 같습니다. 제 동료 중 한 명이 실제로 이것을 '죄수 도청'이라고합니다.

혼합 장르 : 다른 장르의 그림을 만졌습니다. 학생들이 스스로를 탭퍼로 생각하는 것이 아니라 탭으로 생각하기를 바랍니다. 댄서 . 다재다능하고 다재다능할수록 효과적이고 역동적 인 탭을 만들 수있는 선택의 폭이 넓어집니다. 춤의 형태를 결합하면 많은 옵션이 제공되고 청중의 관심을 끌 수 있습니다. 나는 몇 년 전에 서로를 보완하고 모티프를 통합하는 발레 댄서와 탭 댄서의 캐스트를 결합하여 성공했습니다. 우리는 하이브리드 댄스 형식의 시대에 있으므로 기회를 잡으십시오. “댄스 수프”냄비를 저어주세요.
스테이징 : 음악을 칭찬하는 계단, 바디 라인 및 일치하는 포트 드 브라를 만들었다면 이제 무대를 할 차례입니다. 몸을 움직여 패턴, 각도를 만들고 작품의 에너지를 향상시킵니다. 과거 수십 년 동안 무용수들은 현재보다 더 오랫동안 특정 포메이션에 머물 렀습니다. 시청자의 집중 시간이 짧다는 점에 대해 논의 했으므로 위치를 더 자주 바꾸는 것이 유행하고 효과적입니다. 어떻게, 언제, 그리고 왜 스테이징의 기술은 그렇게 많은 선택지가 있습니다. 댄서를 무대 아래, 위, 옆으로, 대각선으로, 위아래로 움직일 수 있습니다. 무용수를 움직인다는 것은 패턴에 맞춰 춤을 추는 것입니다. 그곳에서 걷거나 행진하지 마십시오. 이것의 댄스 , 훈련 팀이나 군단이 아닙니다. 분명히 대각선은 더 긴 패스를 허용합니다 (그리고 신체에 더 흥미로운 각도를 제공합니다). 반대, 반대 방향으로 움직이는 댄서는 간단하고 효과적인 선택을 만듭니다. 무용수를 짝을 지어 스테이징하는 것은 두 개의 '도시도'를 서로 둘러싸고 원래 위치로 돌아 오는 것과 같은 도구에 적합합니다. 이동하는 단계를 선택할 때 댄서가 단거리 선수처럼 '날아갈'수 있도록 발바닥에 댄서를 올려야합니다.

이 시점에서 춤에 소품이 있다면 무용수들이 서 투르거나 성가신 것없이 우아하게 다룰 수 있도록해야한다는 점을 언급 할 가치가 있습니다. 소품이 고정되어있는 경우 소품 안팎, 주변, 위, 아래 및 위에 경로를 만들 수 있습니다. 이것은 또한 계단이 내려 오는 소리의 피치를 다양하게 제공 할 수 있습니다.