Kathleen Wessel 작성.
교사 여러분, 누군가가“현대 무용이란 무엇입니까?”라고 마지막으로 물었을 때를 생각해보십시오. 대부분의 사람들, 심지어 그것을 가르치는 사람들조차도이 끊임없이 변화하는 예술 형식을 정확하게 정의 할 수 없기 때문에 대답이 쉽지 않았을 것입니다. 한 번은 청중이 혼합 레퍼토리 댄스 콘서트에서 동반자에게 설명하는 것을 우연히 들었습니다.“발이 뾰족하면 발레입니다. 유연하면 현대적입니다.” 구별이 그렇게 간단하다면.
너무 좁거나 완전히 잘못된 정의를 쉽게 식별 할 수 있습니다. “자유로운 흐름”,“발레보다 덜 엄격하거나 까다 롭다”,“감정적 표현”,“해석 적”: 모두 역사적 및 현재 사례를 불러 옴으로써 불완전하거나 부정확 함을 증명할 수 있습니다. 전설적인 안무가 Martha Graham의 가르침을 바탕으로 거친 바닥 워밍업에서 살아남은 사람은 누구나 '자유로운'과 '느슨한'이 그녀의 어휘의 일부가 아니라는 것을 알고 있습니다. 그리고 아방가르드 포스트 모던 댄스 운동의 선구자 인 후기 Merce Cunningham의 매우 구체적인 안무가 사실이라고 주장 할 수 있습니다. 더 발레보다 엄격합니다. 그의 시대의 예술적 트렌드에 따라 커닝햄은 그의 작품이 감정을 표현하거나 움직임을 통해 이야기를 해석하려는 의도가 없었습니다.
매번 우리는 관습을 거스 르고 현대 무용에 대한 우리의 정의에 도전하는 움직임이나 안무 스타일에 직면합니다. 일부 교사는 '현대'가 과거의 기술을 의미하는 반면 '현대'안무가 더 최신이라는 가정하에 '현대'춤과 '현대'춤의 차이를 묘사합니다. 두 용어는 동의어이고 똑같이 설명이 아니기 때문에이 신비한 예술 형식을 분류하지 못합니다.
로빈 타겟 버논 나이
이것은 분명한 질문을합니다. 교사로서 우리가 예술 장르의 이상, 적절한 기술 및 철학을 정의 할 수 없다면 어떻게 효과적으로 전달합니까? 가능한 대답을 위해, 우리는 자신의 정의를 설정하고 그들의 안무 스타일을 주도하는 동작 언어 또는 특정 기술을 만든 사람들에게 의지합니다. 이 형태를 바꾸는 예술 형식을 분류하는 대신 우리는 계속해서 재정의하는 많은 전통 (역사적 및 현재)을 연구하고 가르 칠 수 있습니다.
21 세기 무용의 풍부하고 다양한 풍경의 길을 닦은 과거와 현재의 개척자들이 있습니다. 교실에서이 전설적인 인물에 대해 이야기하십시오. 아마도 그들은 언젠가 자신의 동작 언어를 만들도록 젊은 학생에게 영감을 줄 것입니다.
캐서린 크로켓, 'Cave of the Heart'에서 Martha Graham Dance Company의 수석 댄서. 사진 © Albert Watson, 2010
마사 그레이엄의 수축과 해방
핵심에 대한 Graham의 초점에 대해 학생들에게 이야기하십시오. 필라테스의 통합과 오늘날의 많은 댄스 스튜디오에서 핵심적인 힘에 대한 강조를 통해 학생들은 이미 핵심적인 인식을 갖고 그것을 분리 할 수 있어야합니다. 학생들이 핵심 근육을 끌어 당기거나 '수축'한 다음 '이완'하도록 권장하는 호흡 운동을 연습하십시오. 핵심이 신체의 정서적 중심이기도한다는 Graham의 믿음에 대해 토론하십시오. 그녀의 유명한 철학 인“움직임은 거짓말을하지 않는다”는 학생들이 연주 기법을 연구하는 것과 공감할 수 있습니다.
Doris Humphrey의 Fall and Recovery와 Jose Limon의 숨결과 체중
학생들은이 두 명의 전설적인 안무가 인 Humphrey가 1946 년부터 1958 년까지 Limon 회사의 예술 감독으로 함께 작업하고 협력하여 독특한 미적 품질을 만들어 냈다는 사실에 관심이있을 수 있습니다. 많은 학생들이 현대 무용을 설명하기 위해“접지”와“가중”이라는 용어를 들어 보았을 것입니다. 험프리와 리몬은 이러한 자질을 가르치는 선구자였습니다. 몸통 또는 '드롭'스윙은 Humphrey의 낙상 및 회복 기술의 전형적인 예입니다. 학생들에게 호흡을 강조하면서 다리를 흔들거나 바닥에 쓰러지는 것과 같은 서스펜션 요소가있는 움직임을 수행하여이 개념을 작업하게합니다.
오 하드 나하린의 '마이너스 16'을 공연하는 애틀랜타 발레단. C. McCullers의 사진
오 하드 나하린의 가가 기법
제임스 lesure 아내
이스라엘 안무가 오 하드 나하린은 무용수들이 육체적 또는 심리적 억제없이 자의식을 잃고 움직일 수있는 방법으로이 즉흥 연주 기법을 개발했으며 계속해서 발전시키고 있습니다. Gaga의 개념을 수업에 통합하려면 구조화 된 즉흥 연주를 이끌고 학생들이 움직임이 '되어야하는'모양보다는 신체적 감각에주의를 기울 이도록 권장합니다. 학생들에게“물 위에 떠”거나“척추가 뱀이되도록”하도록 요청하십시오. 그리고 거울을 가리세요! Naharin은 거울이 '영혼을 망치고 요소와 다차원 적 움직임 및 추상적 인 사고와 접촉하는 것을 방지합니다'라고 말합니다. 그는 댄서들에게 다음과 같이 조언합니다.“자신을 보지 않고 항상 자신이 어디에 있는지 파악하십시오. 춤은 자신의 이미지가 아니라 감각에 관한 것입니다.” 학생들에게 즉흥 연주를 할 때 '방의 모든면에서 연주'하라고 말합니다. 그들은 3 차원 공간에서 더 완벽하게 움직일 수 있다는 자신감을 얻게 될 것입니다.
Countertechnique의 창시자, 네덜란드 안무가 Anouk van Dijk. Silvia Sztankovits의 사진
Anouk Van Dijk의 대응 기법
네덜란드 안무가 Anouk Van Dijk가 개발 한 새로운 무브먼트 시스템으로 반대와 지속적인 움직임을 강조합니다. Van Dijk는 Countertechnique의 이론은 간단하다고 말합니다. '움직이는 경우 움직임에는 방향이 있습니다.' 그리고 한 방향으로 이동하려면 반대 방향으로 이동해야합니다. 학생들이 알려진 구절을 작업 할 때 주요 동작이 아니라 반대되는 동작이나 신체 부위를 식별하게하십시오. 예를 들어, 아라베스크의 높이에 대해 생각하는 대신 몸통을 늘리는 데 집중하도록합니다. 반대되는 움직임에 에너지와 초점을 보내면 학생들은 '계속 변하는 동적 균형'을 만들고 공간을 통해 폭발적인 힘으로 움직일 수 있습니다.
YouTube는 이러한 기술 및 기타 기술의 예를 볼 수있는 훌륭한 리소스입니다. 현대 무용의 역사적 또는 현재 인물에 초점을 맞춘 수업을 가르친 후 학생들이 그룹으로 함께 비디오를 보거나 클립을 보도록 권장합니다. 안무에 집중하는 대신 학생들에게 움직임의 특성에주의를 기울이게하십시오. 어떻게 보다는 뭐 . 현대 무용은 언어를 만드는 사람들에 의해 정의되고 끊임없이 재정의됩니다. 대화에 차세대 댄서를 소개하는 것이 계속 진행하는 가장 좋은 방법입니다.
