댄스 스튜디오 소유자

Francisco Gella 교육. Gella의 사진 제공.

여름 방학이며 수영장 시간, 칵테일, 여름 파티 사이에 새로운 댄스의 해가 다가오고 있다는 깜짝 놀랄만 한 부름이 있습니다. 2019/20 학년도에 당신의 초점은 무엇입니까? 커리큘럼을 업데이트하고 새로운 것을 시도 하시겠습니까? 학생들에게 어떤 효과가 있었으며 어디에서 개선 할 수 있습니까?

최대 리드 댄스 교사 서밋 이달 말, Dance Informa는 프로그램 개발 및 성공적인 교육 방법에 대한 팁에 대해 업계의 3 명의 리더와 이야기하며 다가오는 Long Beach 및 New York 세미나에서 논의 될 주제를 다룹니다.

데보라 다 마스트. 사진 : Jordan Matter.

NYU Steinhardt의 댄스 교육 프로그램 디렉터이자 예술 고문 인 Deborah Damast는 커리큘럼 개발에 대한 풍부한 지식과 경험을 가지고 있습니다. 그녀의 접근 방식은“먼저 청중을 보는 것입니다. 학생들은 누구입니까? 그들의 필요는 무엇입니까? 학교, 프로그램 및 교사의 목표는 무엇입니까?” 그녀는 묻는다. “학교의 교육 철학은 무엇입니까? 목표, 교육 실습 및 사명과 일치하도록 커리큘럼을 작성하기 전에 이러한 질문을 해결해야합니다.”

맥스 쉬프린 위키피디아

레크리에이션 무용수, 진지한 예비 전문 학생, 경쟁 무용수 또는 대학생을 가르치 든 상관없이 여름 방학은 귀하의 임무를 살펴보고 귀하와 귀하의 학생들에게 프로그램이 어떻게 작동하는지 평가할 수있는 적절한 시간입니다.

Francisco Gella Dance Works의 마스터 교사, 안무가 및 예술 감독 인 Francisco Gella는 '커리큘럼 개발은 종종 복잡하고 벅찬 것으로 간주됩니다.'라고 공감합니다. 하지만 그럴 필요는 없습니다.

Francisco Gella. Gella의 사진 제공.

'효과적이고 결과 지향적 인 커리큘럼을 공식화하는 방법의 근원을 진정으로 살펴보면 실제로 매우 간단합니다.'라고 Gella는 설명합니다. “해부학 적 및 생체 역학적 관점에서 이러한 기본 요소를 구현하는 기법 접근 방식의 기본 기반에 초점을 맞추고, 실행 측면에서 세부 사항에 대해 끊임없이 (적절한 정렬, 각 단계의 시작, 전환 및 완료 방법), 마지막으로 일관성 유지 이 간단한 규칙을 모든 단계, 모든 시퀀스 및 모든 수업 계획에 적용합니다. '

그러나 일단 강력한 계획이 수립되면 창의성과 성형 성을위한 여지를 남겨 두십시오.

Damast는“교사가 창의적인 공간을 가질 수 있고 동시에 수업에 적합한 템플릿이 있다고 느낄 수 있도록 하향식 및 규범없이지도하고 지원하는 커리큘럼을 만듭니다.”라고 Damast는 조언합니다. '좋은 커리큘럼은 통기성이 있어야하고 시간이 지남에 따라 비계가 있어야하며 현실적인 결과를 가져야하며 다양한 학습 스타일에 맞게 조정되어야합니다.'

Gella는“무용수들의 욕구가 변하고, 콘서트, 상업 및 대학 댄스 분야의 요구가 변하고, 당신 자신이 변하기 때문에 커리큘럼 개발 작업이 끝나서는 안된다”고 동의했다.

본인과 스튜디오의 목표에 맞는 프로그램을 만드는 것은 핵심 교육 철학에 달려 있습니다. 학년도를 계획 할 때 교실에서 자신에게 중요한 것이 무엇인지, 그리고 궁극적으로 댄서가 여러분과 함께 시간을 보내면서 얻을 수있는 것이 무엇인지 생각할 좋은 시간입니다.

유명한 안무가이자 크리에이티브 컨설턴트 인 Ray Leeper는 댄서에게 존경과 규율을 가르치는 데 중점을 둡니다.

레이 리퍼.

“항상 격려와 긍정으로 가르치는 것을 좋아하지만 그것이 규율이 없다는 의미는 아닙니다.”라고 그는 말합니다. “젊은이들은 어느 정도 존경심을 갖고해야 할 일을 가지고 방으로 들어와야합니다. 무용수들은 매우 구조화 된 수업을 위해 발레 모자를 쓰고 발레 수업에 들어간 다음 재즈 또는 현대 수업에 들어와 발레 모자를 벗습니다. 좀 더 편안한 느낌이 좋아요.하지만 수업 시간에 어느 정도의 존중이나 규율이 필요하다고 생각 해요. 발레 수업 시간에 아이들을 보면서 '왜 내 수업에서 좋아하지 않니?'라고 스스로에게 말한 적이 있습니까? 그렇다면 수업을 어떻게 진행하고 있는지 재평가해야합니다.”

Gella는 또한 완벽한 기술을 가진 무용수보다 강하고 헌신적 인 캐릭터를 만드는 것을 강조합니다.

아네타 채프먼

“교사는 강력한 기술 교육을 개발하는 데 집중할 수 있지만 학생의 정서적, 심리적 요구를 돌보지 않고도 성격, 성실성, 근심, 자기 성찰, 자신감, 겸손 및 감사의 핵심 행동 원칙에 영향을 미칩니다. 학생은 인간과 예술적 잠재력을 극대화하지 못할 것입니다.”라고 그는 말합니다.

하지만 매일 만나는 다양한 수준의 많은 학생들을 위해 어떻게해야합니까?

'정말로 수업을 봅니다.'Damast는 조언합니다. “거울에게 가르치지 말고 사람들에게 가르치십시오. 질문하고, 학생들에게 확인하고, 개념을 설명하는 다양한 방법을 찾고, 학생들이 어떻게 학습하는지 알아보세요. '

이를 위해 Damast는 교육자들에게“학생들이 자신의 스타일을 찾는 동안 자신의 목소리를 찾도록하고 수업에 토론을 포함하도록합니다. 댄스 스튜디오 밖에서 학생들의 삶과 관련된 수업 내용을 만들어 보는 것은 어떨까요?”

Gella에 따르면, 교사는“학생의 전반적인 발전에주의를 기울일뿐만 아니라 학생의 재능과 잠재력에 대한 믿음을 일관되게 표현하고 댄서의 진정성과 독창성을 소중히 여깁니다. 이 모든 것이 댄서가 수업과 공연에 접근하는 방식에 영향을 미칩니다.”

Leeper는 각 학생이 가치를 느끼도록 돕는 유용한 정보를 공유합니다. “컨벤션 환경에서 500 명의 무용수를 가르치 든 스튜디오에서 20 명을 가르치 든 강의는 항상 교실에서 평등 함을 만드는 것이라고 생각합니다.”

그는 계속해서“모든 사람이 바레 나 거울을 마주 할 때 자신의 자리를 차지하는 방법을 알고 있습니까? 댄서들은 자신의 레벨이나 자신이 있어야한다고 생각하는 위치에 따라 자신을 배치합니다. 그것과 섞어 라! 뒤에있는 댄서들이 앞에있을 수있는 기회를 만드십시오. 모든 댄서에게 똑같이 많은 기회를주고 있는지 확인하세요. 그러니 바닥을 가로 질러 갈 때 항상 A 댄서를 시작하거나 짝을 이루도록하지 마세요.”

발레 수업에서 Gella는 '모든 사람이 발레를 잘할 수는 없지만 교실에있는 모든 사람이 훌륭한 학생이 될 수 있습니다.'라고 표현하는 것이 중요하다고 생각합니다.

이것은 바레에서 무엇을 의미합니까? Gella는 학생들에게“배운 내용에 집중하고, 학습 과정을 말하거나 방해하지 않음으로써 에티켓과 전통을 존중하고, 새로운 것을 시도 할 용기를 가지고 자신을 존중하며, 숙련 된 발레 훈련을받은 댄서 인 경우 세부 사항을 수정하고 주어진 각 단계에서 접근 방식을 개선 할 수있는 방법을 결정합니다. '

Gella는 학생들에게“다양한 신체 유형이 모두 발레를 배울 수 있다는 것을 알려줍니다. 체형에 관계없이 그 댄서가 필요한 작업을 명확하고 세밀하게 수행했다면 그들이 보여주는 탁월함을 부정 할 수 없습니다.”

이러한 다양한 신체 유형과 능력, 학생들의 다양한 학습 스타일에 추가하면 모든 스튜디오에서 복잡한 요구 사항이 있습니다.

메간 올리비 높이

'각 댄서는 정보를 배우고 유지하는 방법에 차이가 있습니다.'라고 Gella는 지적합니다. '어떤 사람들은 당신이 가르치는 내용을 지적하는 경향이 있고 어떤 사람들은 시연과 관찰을 통해 시각적으로 배우는 경향이 있습니다.'

물리적 예술 형식에서 Gella는 학생들이 지적으로뿐만 아니라 물리적으로 각 교정을 시도하도록 권장합니다.

Gella는“학생들은 자신의 지배적 인 학습 방식에 관계없이 수동적으로 서서 정보를 얻을 수있는 면허를받을 수 없습니다. “항상 학생들이 몸으로 교정을 느끼도록 격려합니다.”

그리고 '가르치는 것과 설교하는 것에는 차이가 있습니다.'라고 Leeper는 덧붙입니다. '그래서 강사가 바닥에 올라가 아이들의 참여를 유지하기 위해 돌아 다니는 것이 정말 중요하다고 생각합니다.'

하지만 교사로서 약혼 했습니까? 학년 말에 우리는 모두 지치고 일반적으로 영감이 부족합니다. Dance Teacher Summit과 같은 이벤트가 동기를 부여하고 준비 할 수있는 곳입니다.

Gella는“정상 회의에서 5 년차 강의가 될 것입니다. “저는 교육자들이 그들에 대한 믿음을 강화하고, 새롭고 새로운 교수법의 가능성을 열고 교사들이 스스로를 예술가로 여기도록 격려하고 싶습니다. 대부분의 교사는 자신이하는 일을 직업으로 본다. 나는 강사들이 그들의 가르침을 예술적 실천으로 간주하도록 권장합니다. 자신을 예술가로 인식하는 교사는 무엇을 가르 칠지, 어떻게 가르 칠지 보는 방식에서 더욱 혁신적입니다. '

하지만 제공되는 수업과 조언이 너무 많아서 Summit이 커리큘럼 개발 및 실행을 효과적으로 지원할 수있는 방법은 무엇입니까?