Broadway Connection Teaching Artists는 뮤지컬 극장 교육이 모든 스타일과 장르의 댄서에게 가치있는 이유를 설명합니다.
당신은 뾰족한 신발, 양털, 롤빵 커버 및 바비 핀이 깊은 번 헤드 무릎입니까? 아니면 현대 무용수는 항상 수업, 아크로 훈련, 가장 인기있는 대회 사이를 달리고 있습니까? 그렇다면 뮤지컬 극장 훈련에 대해 생각해 본 적이 있습니까? 그렇지 않다면 지금입니다! 댄서들은 오늘날 훈련에서 계속 다양 화하고 있으므로 뮤지컬 극장을 떠나지 마십시오.
뮤지컬 극장 훈련은 다양한 방식으로 다른 스타일과 장르의 댄서에게 진정으로 혜택을 줄 수 있습니다. 말할 것도없이, 당신의 스튜디오 나 미래의 회사가 언제 뮤지컬을하게 될지 결코 알 수 없습니다. 준비하는 것이 당신에게 도움이 될 것입니다!
칼란 버그만.
Dance Informa는 최근에 뮤지컬 극장 교육이 왜 그렇게 유익 할 수 있는지 공유하는 브로드 웨이 커넥션 (BC) 교육 아티스트 세 명에게 연락했습니다. 최초의 BC 예술가, 칼란 버그만 , 브로드 웨이의 새로운 프로덕션 작업 중입니다. 고양이 . 그 전에는 Rodgers와 Hammerstein의 브로드 웨이에서 신데렐라 , 코미디 오프 브로드 웨이 침묵! 뮤지컬 그리고 신사는 금발을 선호한다 City Center Encores에서. 그는 또한 국내외에서 메리 포핀스 과 피핀 .
Bergmann은 뮤지컬을 공부하는 것이 다른 배경과 기술에 초점을 둔 댄서들에게 도움이 될 수 있다고 말합니다. '춤은 모두 스토리 텔링에 관한 것입니다.'
그는“다른 형태의 댄스에서는 그것을 잊기 쉬울 수 있지만 뮤지컬 극장에서는 스토리 텔링이 항상 최전선에 있습니다. 다른 테크닉에 집중하는 무용가들이 뮤지컬을 공부할 때 주된 춤 스타일로 스토리 텔링에 도움이된다고 생각합니다.”
BC 교수진 브리트니 코니가 티 , 현재 출연중인 웨스트 사이드 스토리 , 전심으로 동의합니다. 그녀는 많은 훈련을 받았습니다. 그녀는 'The Fame School'을 졸업하고 The New School에서 BFA를 받았으며 Paul Taylor, Joffrey Jazz and Contemporary, American Music and Dramatic Academy에서 광범위하게 훈련을 받았으며 전국적으로 디즈니의 미녀와 야수 , 꼬마 요정 , 브롱스 이야기 , 록 오브 에이지 , 달콤한 자선 , 뮤직 맨 , 헤어 스프레이 과 마틸다 .
'뮤지컬 극장은 언어, 대화, 가사, 그리고 당연히 청중에게 메시지 나 이야기를 전달하기위한 움직임과 안무 등 많은 요소를 통해 스토리 텔링에 초점을 맞 춥니 다.'라고 그녀는 말합니다. '나는 뮤지컬을 공부하는 것은 그들에게 매우 특정한 소통의 출구를 제공함으로써 공연자를 완성시키고, 그 공연자들이 그들이 공부하는 춤 테크닉뿐만 아니라 그들 자신 전체를 통해 소통하도록 도전한다고 생각합니다.'
로디 케네디.
마찬가지로 BC 교수진 로디 케네디 , 현재 브로드 웨이 대히트에서 공연하고있는 해밀턴 , Bergmann과 Conigatti의 의견에 동의하며 스토리 텔링을 뮤지컬 극장의 중요한 특성으로 명명했습니다. 그의 프로덕션 투어 경험 유지 , 명성 , 하이츠에서 , 조셉… 과 파자마 게임 그에게 스토리 텔링에 필요한 것이 무엇인지, 그리고 무용수들이 뮤지컬 극장 맥락에서 그것을 공부해야하는 이유에 대한 더 깊은 이해를주었습니다.
Kennedy는“뮤지컬 극장 댄스에서 우리는 의도에 기반한 스토리 텔링과 움직임에서 시작한다는 것을 발견했습니다. '뮤지컬 극장 훈련에 대한 당신의 초점은 우리가 기술 훈련에서 발견 한 바깥 쪽에서 안쪽으로의 훈련과는 반대로 당신의 캐릭터의 연기에 대한 훨씬 더 안쪽에서 바깥쪽으로 접근하는 것입니다.'
그는“뮤지컬 극장에서 처음부터 움직임을 줄 때 '아티스트'로서 당신은 '왜?'라는 질문을해야한다는 것을 의미한다. 내 캐릭터는 왜 그렇게 움직 이도록 동기를 부여 받는가? 운동의 초점은 그 숫자의 줄거리와 쇼의 전체 줄거리 내에서 원인과 영향에 대한 즉각적인 대화가됩니다. 그 윤곽을 잡은 후, 우리는 춤 기술 훈련으로 돌아가서 움직임을 기교하게 만드는 반면, 발레, 탭, 재즈 또는 힙합에서는 움직임의 기본 기술과 처음 시작할 신체의 올바른 배치 / 정렬에 초점을 맞 춥니 다. 성능 레이어를 추가하십시오. '
Conigatti는 뮤지컬 극장 교육이 댄서에게 목소리를 사용하는 방법을 가르치는 데 도움이된다고 지적합니다. 고등학교 때 'The Fame School'에서 공부했을 때 그녀는 첫 번째 전문 뮤지컬 인 Paper Mill Playhouse의 오디션과 캐스트 제작을 회상합니다. 디즈니 고등학교 뮤지컬 무대.
브리트니 코니가 티. 사진 : Robert Mannis.
그녀는“뮤지컬 극장의 세계에 너무 어리고 새로워 서 뮤지컬 리허설 홀에 들어가는 것은 내가 예전처럼 댄스 피스 나 콘서트에 들어가는 것과는 많이 달랐습니다. “예를 들어, 저는 음악 리허설이 진행되는 방식에 매료되었습니다. 그 시점에서 저는 'All That Jazz'를 배운 그룹 레슨을 제외하고는 음성 레슨을받은 적이 없었습니다. 브로드 웨이 쇼에 참석하는 것을 좋아한다는 점을 제외하고는 뮤지컬 극장에 대해 거의 알지 못했습니다. 그래서 음악 리허설 시간이되면 말한 모든 것을 녹음하고 음악의 다른 음표 나 표기법 옆에 앉아 정의를 써서 집에 돌아 갔을 때 다음과 같은 아이디어를 얻을 수있었습니다. 뮤지컬 감독이 말한 것에 대해.”
이 뮤지컬 극장 진출로 그녀는 처음으로 자신의 목소리를 실제로 테스트하고 음악을 읽고 해석하는 방법을 배울 수 있었으며 이러한 작업을 수행하는 방법을 전혀 모르는 다른 댄서들에게 다리를 제공했습니다. 같은 맥락에서 Bergmann은 뮤지컬 극장이 공연자들에게 '음악성에 대한 훨씬 더 나은 이해'를 제공한다고 지적합니다.
'음악성은 저에게있어 훌륭한 댄서와 훌륭한 댄서를 분리시키는 것입니다.'라고 그는 말합니다.
Conigatti는 이미 언급 한 이유 (스토리 텔링, 목소리 사용 및 음악성 향상) 외에도 뮤지컬 극장이 팀워크 기술을 독특하게 성장시키고 파트너링 도구 키트를 향상시킬 수있는 기회를주기 때문에 유익하다고 말합니다. 당신의 적응성과 유연성, 그리고 당신이 새로운 유형의 성능 품질을 연습하면서 당신의 개인적인 자신감을 키울 수 있습니다.
어느 시점에서 그녀는“뮤지컬 극장 오디션을 통해 내가 누구인지, 내가 아는 내가 연기자로서 테이블에 가져 오는 것에 대해 안정감을 느끼게 된 것 같다. 재능이 항상 결정을 내리거나 깨뜨리는 것은 아닙니다. 나이, 키, 체형, 머리 색깔 등 모든 것이이 산업의 요소가됩니다. 어렸을 때 부모님이 저를 댄스에 몰아 넣고, 그 이후로 운 좋게도 컨벤션 및 마스터 클래스와 같은 다른 아웃렛을 탐험하고 미국 최고의 공연 예술 학교 중 하나에 다녔습니다. 나의 꿈을 추구 할 수 있다는 것! 어렸을 때부터 지금까지의 여정을 통해 공연자로 성장할 수있었습니다. 나는 각각의 도전을 받아들이고 성공하기 위해 노력합니다. 뮤지컬 극장은 그 모든 것을 하나로 묶어 놓은 것입니다. 밤마다 무대에 올라서 내 몸을 도구로 사용하여 이야기의 메시지 / 도덕을 나눌 수있게 해줍니다.”
브로드 웨이 커넥션 아티스트. Krista Greves의 사진.
처음으로 (또는 다시) 뮤지컬 극장에 뛰어 드는 학생 댄서를 위해, 브로드 웨이 연결 전국에 걸쳐 마스터 클래스와 워크샵을 제공합니다. 학교와 스튜디오는 이러한 아티스트를 홈 공간에서 가르치고,이 댄스 스타일에서 거의 일대일 멘토링과지도를 제공합니다. 이미 논의 된 많은 혜택 외에도 BC Teaching Artists는 삶에서 '창조적'및 '창조적 예술가'가되는 방법에 대한 교육과 같은 더욱 의미있는 것을 전달하고자합니다.
BC 공동 창립자이자 예술 감독 인 Jennifer Jancuska는 다음과 같이 말합니다.“뮤지컬 연극 교육은 댄서가 목소리를내는 제너레이션 아티스트가되도록 장려하고 가르치며 영감을줍니다. 극장에서 우리는 이야기를 전하고 소통하기 위해 앙상블로 협력합니다. 이러한 기술은 댄스 기술의 경계를 넓히고 삶의 모든 영역에서 필수적입니다. 게다가 재미 있어요!”
Bergmann은 이에 대해 다음과 같이 덧붙였습니다.“무용 경력을 쌓는 데 관심이있는 젊은이들은 기술자보다 예술가가되어야한다고 생각합니다. Broadway Connection은 무용 능력을 개발할뿐만 아니라 예술적 사고를 탐구 할 수있는 능력을 제공합니다. 수업 내에서 실험을하면 젊은 예술가가 노출되어야하는 창의적인 과정이 가능합니다.”
탐구와 실험에 열정적 인 Kennedy는“안전하게 위험을 감수하고 실패 할 수있는 환경을 조성하는 것은 그만큼 가장 성공적인 분위기.” 그는“부모로서 이것은 당신의 젊은 아티스트에게 장려되어야합니다. 다른 과학 박람회 나 역사 프로젝트처럼 무용이나 뮤지컬을 다루도록 진정으로 권한을 부여하세요. 열심히 공부하고 조사하게하십시오. 그들에게 그들의 진행 상황에 대해 연습하고 그들과 대화하게하십시오.”
브로드 웨이 커넥션 아티스트. Krista Greves의 사진.
Conigatti는“그 사고 방식과 집중력은 댄서의 수명에 영향을 미치고 댄서가 평범한 일상에 빠지지 않도록함으로써 탈진을 방지합니다. 창조와 탐험의 마음가짐은 끊임없이 쾌락에서 일하는 마음을 유지하며, 이는 공연자에게 전반적인 행복으로 옮겨집니다.”
마지막 활
요약하자면 Bergmann은“Broadway Connection 교실은 미국에서 가장 다양하고 다재다능한 뮤지컬 극장 교실입니다. 일하는 전문가들은 성공적인 전문 경력에 필요한 것을 엿볼 수있을뿐만 아니라 댄서들에게 댄서와 인간으로서의 성장을 제공 할 기술, 창의성 및 관대함을 노출시킵니다.”
Kennedy는“가장 긍정적이고 열린 자아를 작업에 가져 오시기 바랍니다. 당신이 가질 수있는 질문을 가져오고 또한 당신이 찾은 정보를 가져 오십시오. 우리는 탐구의 필요성과 훈련에 집중하여 학습 할 수 있도록 권장합니다. 이 모든 것이 우리에게 즐거움을 선사합니다.”
첼시 토마스 댄스 정보.
사진 (위) : 브로드 웨이 커넥션 아티스트. Krista Greves의 사진.
