레베카 마틴.
벌레 캔을 여는 것에 대해 이야기하십시오. Jennifer Homans의 책이 발표되면서 아폴로의 천사 발레의 역사를 보여주는, 책 끝에 포함 된 에필로그에 대한 논쟁이 쇄도했다. 그것에서 Homans는 발레가 죽었거나 죽어 가고 있다고 제안합니다. 그러한 발언은 발레 애호가, 무용수, 학생들의 반응이 현명한 동의인지 아니면 격렬한 반박인지에 대한 반응을 불러 일으킬 것입니다.
Homans 씨는“수년간 스스로를 설득하려고 노력한 끝에 발레가 죽어 가고 있다고 확신합니다.”라고 썼습니다.
Homans의 주장의 핵심은 George Balanchine의 재미 No. 15 사소 해졌고 더 이상 청중을 움직일 능력이 없습니다. 많은 예술 작품이 시간의 흐름에서 살아남지 못하지만, 수십 년 동안 지속되어 오늘날까지 계속 공연되고 즐기는 고전 발레와 현대 발레 작품의 경우 사소한 작품이 아닙니다. 우리가 오래된 작품을 보는 방식을 변화시킨 것은 새로운 작품에 대한 관객의 노출, 더 큰 기술 및 더 인상적인 프로덕션 연출입니다. 안무가, 무용가, 발레 마스터, 감독 인 로버트 켈리는“발레가 죽어 간다고 말하는 것은 '클래식 음악은 지나가 다'또는 '초현실주의가 죽었다'는 것과 같다. 훌륭한 유산과 풍부한 역사를 지닌 예술 형식입니다.” 실제로, 출시시 큰 히트를 쳤고 지금은 조롱의 근원이되고 대부분 잊혀진 인기있는 노래 나 패션 성명과 마찬가지로, 많은 발레 작품이 초연시 칭찬을 받고 곧 기억에서 사라질 것입니다. 그들은 데이트하고 진부해질 것입니다. 모든 프로덕션이 클래식이되는 것은 아니며 모든 공연이 기억에 남을 수도 없습니다.
Australian Ballet은 Nicolo Fonte의 The Possibility Space를 공연합니다. 사진 Jeff Busby
호주 발레단의 예술 감독 David McAllister는 발레가 살아 있고 건강하다고 느낍니다. “전 세계적으로 발레 기술을 탐구하고 완전히 새롭고 혁신적인 방식으로 사용하는 수많은 신작을 만드는 수많은 회사가 있습니다. 19 세기 발레 캐논의 제작물은 오늘날 관객에게 새로운 생명을 불어 넣는 방식으로 21 세기 기술과 기술을 사용하여 업데이트 및 발표되고 있습니다. 젊은 댄서들은 여전히 전 세계의 발레 수업에 참여하고 있으며 Facebook, 블로그 및 Youtube의 온라인 세계 덕분에 점점 더 많은 청중이 춤을보고 있습니다. '
춤을 출 수 있는 배우
기술을 통해 소규모 프로젝트가 시작되고 노출 및 자금 지원을받을 수 있습니다. 한때 발레가 상류층을위한 활동과 엘리트를위한 오락으로 여겨 졌던 곳에서 발레단은 젊은 청중에게 다가 가고 시대와 함께 움직이고 있습니다. 그러나 주요 발레단을 보는 데 드는 높은 비용은 많은 가족, 학생 및 성인 모두에게 도달 할 수없는 수준입니다.
Homans는 발레의 활력에 대한 그녀의 평가를 관객을 놀라게하고 무용수에게 도전하며 반복 공연을 위해 일 어선 현대 제작물에 대해 지적하는 것을 소홀히합니다. 물론,이 작품들 중 많은 것이 고전이 될 것인지 그리고 예술 형식의 수명을 보장 할 것인지를 말하기에는 너무 이르다. 그녀는 현대 작품을“체조 적 또는 멜로 드라마 적 과잉”으로 완전히 일축하고 있으며, 이는 오래된 투투 발레 만이 현재의 분위기에서 자리를 차지하고 있음을 시사합니다. 이러한 의견은 초기 로큰롤이나 Allen Ginsberg의 혁명시에서 던져진 것과 동일한 비판과 매우 흡사하게 들립니다. 멀리서 짖는 소리. 획기적인 예술에는 항상 비평가가 있으며 춤이 진행됨에 따라 항상 조정 요소가 있습니다. 그것은 정체되어 망각으로 사라지는 것보다 최선입니다.
확실히, 발레는 구조화 된 예술 형식이며 발레가 끝나기 전에 많은 변형이있을 수 있지만 힙합이나 재즈와 같은 다른 형태의 댄스는 다양한 형태를 취할 수 있으며 그 기원에 충실 할 수 있습니다. 이것은 비판이 아니라 관찰입니다. Ballet의 구조는 시간이 지남에 따라 일관성을 유지하고 분해의 대상이되지 않습니다. 하지만 발레에 관심이있는 엔터테인먼트 매체에 노출 된 새롭고 젊은 청중을 유지하기 위해서는 예술이 기술을 수용하고 다양한 형태를 활용하여 사람들을 끌어들이는 것이 필수적입니다. 오락에 대한 우리의 태도가 변함에 따라 오락 자체도 진화해야합니다. McAllister는 발레가 계속해서“우리가 살고있는 환경을 반영하기 위해 진화하고 발전하는 것을보고 있습니다. 각 세대마다 발레에 새로운 아이디어와 새로운 에너지를 혁신하고 가져 오는 사람들이 있습니다. 그들의 작품은 정경에 추가되고 그들의 걸작은 미래의 고전이됩니다. 발레의 근간이되는 과거의 위대한 작품을 유지하고 발표하는 것도 중요하지만 오늘날의 안무가를 육성하고 육성하여 우리 예술 형식의 진화를 생명력과 활력으로 유지하는 것도 똑같이 중요합니다!”
로미오와 줄리엣의 아메리칸 발레 극장의 줄리 켄트와 마르셀로 고메스. 사진 Rosalie O’Connor.
발레 회사는 밝은 색상의 패션 중심 광고를 사용하고 있으며 고전적인 전통을 초초합니다. 몇 년 전 샌프란시스코 발레단은 홍보 포스터에 컨버터블 자동차 뒤에서 키스하는 두 댄서의 이미지를 가지고있었습니다. 많은 술집과 상점에서 포스터를 올렸는데, 이는 그들이 처음으로 보여준 댄스 포스터였습니다. 호주 발레단의 무용수는 패션 잡지와 스포츠 및 기타 출판물 사이에서 자주 볼 수 있습니다. 이 아이디어는 발레 댄서를 섹시하고 활력이 넘치며 현대적으로 표현하는 것입니다. 그러나 구식의 답답하고 일차원 적이며 구식이라는 구식 이미지와는 대조적입니다.
그럼에도 불구하고 발레는이 현대적인 분위기에서 여전히 한계가 있습니다. Washington Post의 Sarah Keough는“돈 문제가 발레의 목에 돌처럼 무겁습니다. 월급, 임대료, 의상, 발가락 신발, 보험, 음악가, 창고 등. 부채는 모든 보수적 프로그램에서 큰 요소입니다. 그러나 주된 문제는 이것입니다. 발레는 점점 더 마비되는 심각한 자신감 부족으로 고통받습니다.” “안전하고 예쁜 예술보다 더 지루한 것은 없습니다. 덜 관련성이 있다고 느끼는 것은 없습니다. 발레는 더 크게 생각해야합니다. 예, 돈이 빡빡하지만 여기의 발레는 유럽 국가의 더 안정된 예산없이 오페라 하우스의 명성을 얻기 위해 곤경에 처했습니다. 미래에 살아 남기 위해서는 평범한 발레단이 크기를 줄이고, 흥분을 목표로하고, 냄비를 휘젓고, 전체 길이 발레를 떨어 뜨리는 것이 더 나을 것이라고 생각합니다.
Alexei Ratmansky가 New York City Ballet과 리허설 중입니다. 사진 Paul Kolnik
하지만 발레 애호가들에게 모든 것이 운명과 우울한 것은 아닙니다. Twyla Tharp, Christopher Wheeldon, Alexei Ratmansky와 같은 안무가들과 함께 발레의 경계를 넓히고 추상화와 고전적인 선이 혼합 된 작품을 만들어 내면서 발레는 살아 숨쉬는 예술 형식으로 남아 있습니다. 현대 발레에 대한 Homans의 평가에서 눈에 띄는 누락은 20 세기 말 발레를 머리로 바꾸고 기술적으로 무용수와 관객에게 지적으로 도전 한 미국 안무가 William Forsythe입니다.
사람들은 발레가 그 어느 때보 다 중요하고 인기가 있다고 말합니다. McAllister는 The Australian Ballet의 시청자가 매년 증가하고 있으며 구독률은 1990 년대 초 이후 최고 수준이라고 말합니다.
Landestheater Coburg Ballet Master와 국제 무용가 Griffin Doug는 발레의 맥박이 유럽에서 강하다고 제안합니다. “나는 (발레)가 집을 꾸미기 위해 의지 할 수있는 유일한 '하이아트'라고 생각합니다. 잘 알려진 뮤지컬을 제외하고 댄스 프로그램은 일반적으로 연극을 계획하는 사람에게 안전한 방법입니다. 하우스는 매일 밤 매진되지 않을 수 있지만 시즌 별 공연 공연은 다른 공연보다 더 많은 좌석을 판매합니다. 그러나 McAllister에게 '그것은 단지 좌석 수에 관한 것이 아니라 관객들에게 전체 발레 경험을 제공하는 것에 관한 것입니다.'
Doug가 지적했듯이 발레는 의사 소통의 장벽없이 전 세계를 횡단 할 수있는 보편적 인 언어라는 중요한 자산을 가지고 있습니다. 그리고 모든 무용가들이 증명할 수 있듯이, 발레 수업은 혼동이 거의 또는 전혀없이 세계 어느 곳에서나 모든 언어로 수강 할 수 있습니다. 춤의 언어는 어디를 가든 동일합니다. “모든 라이브 공연 장르 중에서 발레는 변화에 가장 잘 적응합니다. 댄스는 크고 작은 집에서 쉽게 공연되며, 즉흥적이고 신중하게 연습 된 프로덕션에서도 연주됩니다. 무용은 전체 교향곡 반주로 연주 할 수 있지만 사전 녹음 된 사운드 트랙이있는 청중도 수용 할 수 있습니다. 죽어가는 예술 형식이나 박물관 예술 형식과는 거리가 먼 춤은 살아 있고 건강합니다. 가장 폭 넓은 청중 층을 가진 가장 적응력있는 예술 형식입니다.”
발레 자체는 다른 모든 형태의 춤의 기초입니다. 고전적인 기술을 가진 재즈 댄서는 발레 훈련이없는 사람보다 훨씬 우월하며 뮤지컬 극장, 카바레, 탭 및 힙합 댄서에게도 마찬가지입니다. 예술의 광범위한 매력, 다양성 및 기술을 보여주는 수많은 TV 쇼, 영화 및 영화 클립 덕분에 댄스에 대한 인기가 급증함에 따라 발레는 서두르지 않습니다.
위 사진 : 파리 오페라 발레단의 Aurelie Dupont & Herve Moreau. 저작권 Anne Deniau
